Оглавление
Краткая биография
- Золотая медаль и первая выставка. 1896 год. Пятнадцатилетний Пикассо написал картину, названную им «Знание и милосердие». Она была награждена золотой медалью, а в одном из парижских кафе состоялась первая личная выставка юного художника.
- Любовь к Парижу. 1900 год. Художник посещает Париж и сразу же на всю жизнь влюбляется в этот удивительный город.
- Переезд в Париж. 1904 год. Пикассо переезжает в Париж и начинает исследовать творчество выдающихся французских художников Эжена Делакруа, Поля Гогена, нидерландского — Винсента Ван Гога, а также знакомится с импрессионизмом, то есть познает себя в совершенно новых для него жанрах.
- Голубой (депрессивный) творческий период. Голубой период занял довольно длительное время, так как начался в 1901 году, а закончился только в 1904. Картины этого периода отличаются локальным колоритом, ярко выраженной линейной композицией, а художник твердо уверен, что голубой цвет является доминирующим среди остальных цветов. Символом данного периода служит написанная в 1903 году картина «Жизнь». Этот период его творчества многие библиографы называют депрессивным.
- Розовый творческий период. Этот период начался в 1904 году и продолжался до 1906 года. К периоду, где преобладали жизнерадостные насыщенные цвета, и который стал началом нового этапа творческого пути Пикассо, его подтолкнула любовь к девушке по имени Фернанда.
- Переломный момент творчества. Начиная с 1906 года, Пикассо стал усиленно интересоваться африканскими масками и скульптурой, так как был уверен, что они имеют магическую силу и поэтому обладают чувственной простотой форм.
- Шокирующая картина. Год 1906. На картине, названной художником «Авиньонскими девицами» и которая писалась на протяжении девяти лет, все фигуры имели геометрический объём с изломанными заостренными углами. Она вызвала настоящий шок даже у друзей Пикассо. Но эта работа стала переходом художника к другому жанру — кубизму.
- Кубизм Пикассо. 1909-1917 годы. Картины данного творческого периода отражают индивидуальность мастера, который в своих полотнах отказывается от реального изображения, знакомя зрителей с абсолютно неизвестными до сих пор границами восприятия. Однако многие ассоциируют его творчество с абстракционизмом, что Пикассо вовсе не устраивает. Поэтому кубизм перестает его интересовать, и он без сожаления с ним расстается.
- Новое поле деятельности. 1917 год, весна. У Пикассо появляется новое поле деятельности. Он создает костюмы и декорации к спектаклям русского балета Сергея Дягилева, которые проходят в столице Франции.
- Сюрреалистическая манера. 1925 год. На суд зрителей выносится новое творение Пикассо — картина под названием «Танец». Это полотно написано в сюрреалистической манере и отражает сложнейший период его жизни.
- Новый шедевр. 1937 год, 1 мая. Немецкая авиация совместно с итальянской практически полностью уничтожают небольшой испанский город Гернику, который играл роль культурного и политического центра воинственных басков. Сразу же после этого ужасающего события Пикассо за два месяца пишет огромную картину, которой дал имя разрушенного города. Это полотно олицетворяло собой вызов Второй мировой войне.
- Работа на фабрике. Год 1947, французский город Валлорис, небольшая фабрика Мадура. Пикассо поступает работать на эту фабрику и с энтузиазмом начинает изготавливать различные керамические изделия. Так появились его знаменитые Кентавр, Коза, скульптуры: Беременная женщина, Человек с ягненком.
- Эксперимент с рисунками света. 1949 год. Появляется первый рисунок светом, сделанный Пикассо. Идею же таких рисунков подсказал Пабло его друг, известный фотограф Гийон Мили, который направлял на художника свет вспышки своего фотоаппарата, а тот в это время создавал рисунок в воздушном пространстве.
- Создание монументальной композиции. 1958 год. Знаменитый к этому времени Пабло Пикассо делает свою огромнейшую триумфальную настенную монументальную композицию, названную им «Падение Икара». Она была предназначена для нового здания ЮНЕСКО, находящегося во французской столице.
- Прижизненное открытие музея. 1970 год. За три года до смерти художника в Барселоне открывается музей Пабло Пикассо. Картины для него мастер подобрал и передал лично сам.
ТВОРЧЕСТВО ПАБЛО ПИКАССО
«Блестящий талант» — так охарактеризовали подростка в Мадридской Академии изящных искусств. Однако Пабло вскоре объявил родителям, что там царит сплошной консерватизм и ничему новому он не научится. В 15 лет молодой художник создал глубокое по содержанию произведение – «Знание и милосердие». Картина получила золотую медаль, а в кафе «Четыре кота» прошла первая персональная выставка Пабло.
В 1900 году Пикассо посетил Париж и заболел им. Через четыре года он перебрался туда жить. «Склонившийся Арлекин», «Любительница абсента». Художник убирает из композиций всё лишнее, великолепно передавая эмоциональное состояние героев.
Постепенно многоцветность уходит из картин Пикассо, уступая место пронзительному голубому цвету. Произведения наполняет чувство тоски и одиночества, которые сродни настроениям самого живописца.
«Розовый» период отражает увлечение Пабло цирком. Арлекины и уличные гимнасты – его излюбленные персонажи. Миниатюрная гимнастка хочет удержать равновесие, стоя на крутящемся шаре; она впечатлена своими успехами, показывая сидящему рядом мужчине свою ловкость и грацию («Девочка на шаре»). Картина обладает поистине магическим свойством: из неё нельзя исключить ни одну деталь – иначе вся композиция рассыплется.
Соединение геометрических предметов и человеческих фигур. В 1906 году манера художника резко изменилась. В «Авиньонских девицах» мастер создал совершенно новую реальность, построив фигуры из геометрических объёмов, изломанных острыми углами. Публика и друзья Пикассо были шокированы. Однако именно эту работу назовут важным шагом на пути к кубизму. Изобразительное эсперанто, так называют этот жанр, развивалось поэтапно.
Для «сезанновского» этапа характерны серые, коричневые и зеленые тона («Женщина с веером»), а изображение построено на сопоставлении геометрических фигур. «Аналитический» кубизм буквально «дробит» образ на части. Полотно напоминает осколки разбитого стекла, хранящие отражение человека («Портрет Амбруаза Воллара»). Декоративностью и контрастностью отличается «синтетический» кубизм («Скрипка и гитара»). Несмотря на неприятие зрителями большинства идей Пикассо, его картины хорошо продавались.
В 1917 году художник решил попробовать свои силы на новом поприще, создавая декорации и костюмы к спектаклям Дягилевского балета в Париже. Ольга Хохлова танцевала в кордебалете, имела гордую осанку, была аристократически утончённа и неприступна («Портрет Ольги в кресле»). Страстно влюблённый, Пабло венчался с любимой. Ольга стремилась сделать богемного супруга более изысканным. Однако вскоре оказалось, что они абсолютно разные люди. Гибнущие отношения не спасло даже рождение сына.
Ну а с 1927 года на полотнах художника стал появляться образ светловолосой женщины («Сон»). Увлечение Мари-Терез Вальтер совпало с попытками высказаться в сюрреалистической манере. Скандалы в семье и ссоры с Мари-Терез – этот гордиев узел Пикассо разрубил одним махом, оставив обеих женщин.
Интеллектуальной отдушиной для художника выступила авангардный фотограф Дора Маар. Она отсняла весь процесс создания знаменитого триптиха «Герника» — отклика мастера на события военного времени. Дора стала на долгие годы главной моделью Пикассо.
Настоящую радость жизни познал Пабло с юной художницей Франсуазой Жилло («Радость жизни»). Самостоятельная и свободолюбивая, она подарила художнику сына Клода и дочь Палому, но не смогла быть с ним вместе.
Последняя спутница и вторая официальная супруга мэтра – Жаклин Рок называла его «монсеньор» и целовала руки. Одно из лучших произведений позднего творчества Пикассо – «Поцелуй». В нём всё преувеличенно большое. Женщина прильнула к любимому мужчине с доверчивой преданностью, всматриваясь в дорогие для неё черты.
«Авиньонские девицы» (1907 г.) Холст, масло. 244 × 234 см
Известна как одно из первых проявлений кубизма в творчестве художника. Обнаженные тела лишены им гибкости умышленно, а по их позам не трудно догадаться, что девушки списаны с обитательниц борделя, куда частенько наведывался автор.
В ней четко виден переход мастера с его увлечения голубым и розовым в африканский период, который вскоре перечеркнул новый жанр. Почти год работы. С этого времени Пикассо узнаваем: фишка, хоть и не понравилась публике и критике, но стала визитной карточкой для художника, а впоследствии послужила отправной точкой для целого направления в искусстве.
С ней художник расстался в 1920 году. Через семнадцать лет мир впервые увидел эту работу, а вскоре ее приобрел музей Нью-Йорка.
Картины Пикассо
Пабло Пикассо известен нам тем, что всё время, до бесконечности, изобретал себя. Он менял стили и использовал в работах настолько сильно отличающиеся, что все его работы, кажется, были произведениями нескольких великих авторов, а не одного. Пикассо проявлял настойчивость в своей склонности к использованию разных стилей. Его разнообразное творчество было не показателем мощнейших сдвигов на протяжении всей его карьеры, а скорее всего его преданностью взвешенно выбирать для любого своего произведения форму и манеру исполнения, наиболее подходящую для достижения желаемого эффекта.
Он объяснял, что разные темы обязательно требуют разных способов выражения, и что он всякий раз, когда хотел что-то выразить, то говорил так, как ему казалось. Пикассо говорил, что речь идет о следовании идее, которую он хочет показать, и методе, которым это будет осуществляться.
Любимая такса художника
Пикассо любил животных. У него был боксер Ян и коза Эсмеральда, однако он не питал к ним никаких сентиментальных чувств. Такса Лумп заняла в его жизни особое место: ее он любил больше всех своих женщин. Специально для питомца художник разрисовал фарфоровую тарелку, изобразив на ней своего любимца, из которой Лумп ел с одного стола со своим хозяином. Такса всюду сопровождала Пабло — когда художник трудился в мастерской, только один Лумп имел право находиться в этот момент с творцом.
Не смотря на то, что Пикассо был эксцентричным художником, тем не менее, он не был лишен обычных человеческих слабостей. Он прожил очень долгую и насыщенную жизнь, наполненную самыми разными событиями и эмоциями. В биографии мастера можно найти множество весьма интересных историй, которые красноречиво говорят о том, каким был Пабло при жизни.
Париж любит победителей
Биографию Пикассо можно продолжить тем, что, несмотря на все эти сложности, в 1904 году он решает переехать в Париж. И у него начинается новый период его творчества, который потом будет принято называть «розовым».
В картинах художника появляется жизнерадостность. Артисты цирка Медрано стали натурами для гениального художника. Отсюда и целый ряд картин – «Сидящая обнаженная», «Актер», «Акробаты. Мать и сын», «Женщина в рубашке», «Семейство комедиантов».
В 1905 году он создает полотно «Девочка на шаре», которое через несколько лет купит русский меценат И. А. Морозов. Сегодня оно выставлено в Музее им. А. С. Пушкина.
Черты кубизма
Для кубизма характерны черты прямых геометрических форм, завуалированных в узких сюжетах (портреты, натюрморт, постройки), осознанно деформированных угловатыми, грубыми штрихами, и лишенных реалистичности. Это направление живописи, где формальные части изображения важнее, чем цветовая гамма.
Картины в стиле кубизма ассиметричны и неправдоподобны, где объекты выглядят как комплекс плоских геометрических форм. В рисунках не учтены перспективные аспекты и приглушена колоритная гамма.
Например, портрет содержит одновременное изображение лицевой части в профиле и фасе. Или, как вариант идейного самовыражения, привлечение техники коллажа – добавление к основе разнородных элементов (наклеивание предметов, газетных вырезок, разнофактурной ткани) для создания особой формы произведений «синтетического» кубизма.
Игра с реальностью посредством вклеивания посторонних вещей существовала еще со времен барокко. В классике коллаж считался высшим мастерством художника, анонсируя зрителю выбор – найти отличия между оригиналом и копией. В кубизме фокус уравнивал эти понятия как две одинаковые реальности. Коллажные эксперименты проводились в период 1910-1912 года и отнесены к становлению и развитию аналитической формы радикального направления живописи.
Русский балет
Пабло Пикассо «Занавес к балету Парад»
В сентябре 1916 года писатель-сценарист Жан Кокто и композитор Эрик Сати уговаривают Пикассо соучаствовать в постановке новаторского «сюрреалистического» балета «Парад» для «Русского балета» Сергея Дягилева. Пикассо не на шутку увлекается идеей этого балета, втягивается в работу, и в содружестве с Сати полностью переделывает и сценарий, и сценографию. Месяцем позднее он уезжает вместе со всей труппой Русских балетов на два месяца в Рим, где выполняет декорации, костюмы, знакомится с балетмейстером «Парада» Леонидом Мясиным и многими балетными артистами русской труппы. Вступительный манифест к спектаклю «Парад», «…более правдивому, чем сама правда», весной 1917 года написал Гийом Аполлинер, заранее объявив его провозвестником «Нового духа» в искусстве. Дягилев сознательно делал ставку на большую провокацию и готовил её всеми доступными средствами. Произошло именно так, как он намечал. Грандиозный скандал 18 мая 1917 года, состоявшийся на премьере (и единственном представлении) этого балета в театре Шатле, немало способствовал подъёму популярности Пикассо в широких кругах парижского бомонда. Публика в зале едва не сорвала спектакль криками «Русские боши, долой русских, Сати и Пикассо боши! » Дело дошло даже до потасовки. Печать неистовствовала, критики объявили «Русский балет» едва ли не предателями, деморализующими французское общество в тылу во время тяжёлой и неудачной войны. Вот только одна из показательных по своему тону рецензий, вышедших на следующий день после премьеры «Парада». Между прочим, автором этой статьи был вовсе не какой-то маргинальный критик, а вполне респектабельный Лео Польдес, владелец картинной галереи «Клуб де Фобур»…
— Leo Poldes, «La Grimasse», 19 мая 1917
Дягилев остался чрезвычайно доволен произведённым эффектом. Сотрудничество Пикассо с Русскими балетами активно продолжилось и после «Парада» (декорации и костюмы для «Треуголки» Мануэля де Фальи, 1919). Новая форма деятельности, яркие сценические образы и крупные объекты воскрешают в нём интерес к декоративизму и театральности сюжетов.
Во время римской подготовки «Парада» Пикассо познакомился с балериной Ольгой Хохловой, которая стала его первой женой. 12 февраля 1918 года они заключают брак в русской церкви в Париже, свидетелями на их свадьбе были Жан Кокто, Макс Жакоб и Гийом Аполлинер. У них рождается сын Пауло (4 февраля 1921 года).
Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успех художника в обществе — всё это отчасти объясняет возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты («Мандолина и гитара», 1924).
Работы художника
Фрейлины (Менины) после Веласкеса
В последние годы жизни Пикассо пишет несколько картин по мотивам работ старых мастеров. Среди них 44 вариации «Фрейлин» Диего Веласкеса. Работа «Фрейлины после Веласкеса» — это очень смелая и крайне оригинальная вариация на милый сюжет. Пикассо сохранил композицию, но при этом трансформировал каждую деталь. Например, гигантский мастиф Веласкеса превратился в маленькую собачку, моделью для которой, возможно послужила одна из собачек Пикассо.
Обнажённая женщина в красном кресле
На этом портрете изображена Мари-Терез Вальтер, которую Пикассо любил, как едва ли кого-нибудь ещё в своей жизни. Они познакомились в 1927 году, когда первый брак Пикассо фактически развалился. Его связь с 17-летней Мари-Терез была на редкость бурной и чувственной, поэтому Пикассо с таким восторгом рисует её прекрасное юное тело, подчёркивая его изгибы.
Рыдающая женщина
В 1937 году, во время работы над «Герникой», Пикассо написал несколько картин, изображающих голову рыдающей женщины. Одна из фигур «Герники» представляет рыдающую женщину с ребёнком на руках. На протяжении нескольких месяцев Пикассо разрабатывал эту тему, создав 17 работ, исполненных в различной технике. В том числе — четыре картины маслом. Последняя из них явилась кульминацией одного из самых плодотворных периодов в жизни художника.
Герника
Пикассо получил от правительства Испании заказ на большую картину для национального павильона на Международной выставке. Художник не приступал к работе до тех пор, пока не услышал о бомбардировке города Герники немецкими союзниками. Пикассо никогда не был в Гернике, но известие об убийствах мирных граждан разгневало и ужаснуло Пикассо. Картина написана маслом в чёрно-белых тонах и этим напоминает монохромную хронику страшных событий.
Начало творчества
В 1900 г. Пикассо вместе с Касагемасом отправляется в Париж, желая посетить Всемирную выставку. Интересен факт, что именно тогда он впервые познакомился с работами импрессионистов. В следующем году он перенес серьезный стресс: его друг Карлос свел счеты с жизнью на почве несчастной любви.
В память о случившемся Пабло написал ряд картин, которые принято относить к первому «Голубому периоду». Они отражали темы старости, бедности, уныния и смерти. Любопытно, что по его мнению, по-настоящему искренними могли быть только грустные люди.
Пикассо часто задействует разные оттенки синего цвета. Он изображал слепых, бедняков, проституток и прочих подобных персонажей. Биографы называют его знаменитую картину «Девочка на шаре» – переломным моментом от «голубого» периода к «розовому».
Позднее Пабло переезжает в Париж, где проживает в общежитии для бедных живописцев Бато-Лавуар. В это время биографии наступает расцвет его «розового периода». На смену унынию и бедности, приходят образы театральных и цирковых артистов.
На полотнах мастера преобладают розово-золотистые и розово-серые оттенки. Тем не менее, его герои также подвержены тоске, романтизму, одиночеству и прочим похожим чувствам. Постепенно в его творчестве все чаще проявляются новаторские мотивы с задействованием геометрических форм, которые составляют основную композицию картины.
Пабло Пикассо интуитивно начал развивать новый жанр, когда писал портрет своей поклонницы Гертруды Стайн. В 1907 г. он представил свою знаменитую работу «Авиньонские девицы», созданную в классическом стиле кубизма.
К слову, в основе кубизма находится стремление художника разложить изображаемый 3-мерный объект на простые элементы, собрав его на холсте в 2-мерном изображении. Благодаря этому, мастеру удается изобразить объект одновременно с различных сторон и подчеркнуть свойства, невидимые при традиционном изображении объекта только, с одной стороны.
Тогда «Авиньонские девицы» подверглись критике со стороны ряда экспертов, тем не менее, Пикассо продолжил работать в этом направлении. Он ломает объемы, избегает перспективы и прибегает к ряду других приемов, которые превращают его полотна в некие головоломки.
Позднее в работах Пабло возникает «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, адреса, обрывки имен возлюбленных и т.д. По сути кубистический период в творчестве художника оканчивается с началом Первой мировой войны (1914-1918).
В разгар войны Пикассо начинает сотрудничать с труппой «Русского балета» Сергея Дягилева. Он занимается оформлением декораций и костюмов для новых спектаклей. В середине 20-х годов живописец пробует себя в новом жанре художественного искусства – сюрреализме.
Переломный момент в творчестве Пикассо произошел после создания сюрреалистической картины «Танец» (1925). Искривленные фигуры девушек и общее восприятие болезненности надолго овладели художником.
Женщины остаются основными жертвами жестоких причуд Пабло, очевидно, потому что сам он часто не ладил со своей женой или по причине того, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, вдохновляла его на открытую чувственность.
Любопытно, что Вальтер позировала Пикассо для его нескольких скульптурных бюстов. В начале 30-х годов именно через скульптуру он предпочитает выражать свои идеи.
Франция и кубизм
Импрессионисты, с которыми художник познакомился в Париже, гибель друга, постоянные переезды из Парижа в Барселону и обратно, подтолкнули к мрачным темам в картинах. Этот период искусствоведы называют «голубым». Старость, смерть, падшие женщины и нищие – основные темы картин 1900-1904 годов. «Любительница абсента», «Мать и дитя», «Певица кабаре» создают атмосферу безысходности.
В 1904 художник перебирается в Париж и знакомится с кругом акробатов и циркачей. Начинается новый, «розовый» период. Исчезает депрессия, голубая палитра меняется на розовые и коралловые оттенки, картины заполняет обнажённая натура.
Самую знаменитую картину этого периода – «Девочка на шаре» — искусствоведы относят к промежуточному этапу творчества.
Пикассо не устраивает традиционный стиль изображения, и в 1909 году он начинает эксперименты с пространством и формами, заполняя картины не точным сходством, а восприятием и эмоциями. Появившийся в результате экспериментов новый жанр «кубизм» передаёт настроение и чувства автора. Элементы кубизма Пикассо использует во многих картинах следующих периодов.
Сюрреализм: «Герника»
С 1927 года Пикассо был увлёкся новым философским и культурным движением. Оно известно, как сюрреализм, который родился из кубизма, который он сам и создал. Одна из известнейших и значимых работ Пикассо, считающаяся самой величайшей картиной всех времён, была завершена в 1937 году. В это время шли бои в Испании. Это «Герника». Когда германские бомбардировщики, помогающие фашистам Франко, в апреле 1937 года нанесли сокрушительный удар по баскскому городу Герника. Возмущённый бомбардировками и бесчеловечностью войны, художник создал это произведение искусства. Чёрное, белое и сероватое изображение представляет собой сюрреалистическое свидетельство кошмаров войны. На нём изображены Минотавр, окружённый человекоподобными существами в разнообразных проявлениях муки и насилия. Позднее появилась картина: «Автопортрет перед лицом смерти».
В отличие от сложных в своей ослепительности картин синтетического кубизма, следующие работы Пикассо демонстрируют несложные ребячьи образы и грубую манеру исполнения. Однажды Пикассо посетил группу школьников. Тогда он сказал, что когда он был маленьким ребёнком, то мог творить, как Рафаэль, но ему понадобилась целая эпоха, чтобы начать рисовать, как дети.
Когда окончилась Вторая мировая война, Пикассо открыто вступил в ряды коммунистов. Ему два раза вручали Международную Ленинскую премию мира; первый раз в 1950 году, а второй в 1961 году. Он является автором «Голубя мира» (1949 г.). К этому времени своей жизни он был знаменит во всём мире, самым известным на планете живым художником. СМИ вели наблюдение за каждым его движением. Он не прекращал творить, создавая свои великие картины. У него был очень сильно насыщенный график работы. Он думал, что творчество поможет ему выжить. Одна из последних его картин, это «Автопортрет перед лицом смерти». Она была написана за год до его кончины. Для создания её он использовал только карандаш. Это — автобиографический сюжет, нарисованный грубым росчерком, выглядит как нечто среднее между человеком и диким обезьяноподобным существом с зелёной физиономией и розоватыми космами. Но в глазах запечатлены: знание жизни, боязнь и сомнение. Эта картина является работой мастера на пике его сил.
Родился Пабло Пикассо в 1881 года в октябре, 25 числа, в испанском городе Малаге. Он вступал в брак дважды. Сначала Пикассо женился на русской артистке балета Ольге Хохловой в 1918 году. После 9 лет совместной жизни они расстались. У них был сын Пауло. Потом были многочисленные романы. Второй раз Пикассо женился только в 79 лет. Это была Жаклин Рок, которая свела счёты с жизнью в 1986 году. Жизнь Пабло Пикассо оборвалась в апреле 1973 года, когда ему шёл 92 год. Произошло это во французском городе Мужене.
Начало творчества
Свою первую картину маслом на дереве «Пикадор» Пикассо написал в 8 лет, посвятив ее бою быков. Он никогда с ней не расставался — она была его талисманом. Да и вообще, если какая-то вещь ему нравилась, он становился ее рабом, например, свои любимые рубашки изнашивал до дыр. Это был черноглазый, коренастый, по-южному импульсивный мальчик, чрезмерно честолюбивый и очень суеверный.
Однажды отец попросил 12-летнего сына дописать картину с голубями. Пикассо так увлекся, что создал собственную картину. Когда отец увидел ее, то замер в удивлении. Он долго не мог прийти в себя, а потом отдал сыну палитру, краски и уже больше не брался за них, оставив живопись.
Сюрреализм
«Лежащая женщина читает»
В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии, ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935, и театральной пьесе, созданной во время войны. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). Она стала также моделью для нескольких безмятежных и величественных скульптурных бюстов, исполненных в 1932 году в замке Буажелу, который он приобрел в 1930 году. В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции, имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга, испанского скульптора Хулио Гонсалеса — «Конструкция», 1931). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения.
В 1937 году симпатии Пикассо — на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Франко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолетов над позициями франкистов). В апреле 1937 года немецкая и итальянская авиация бомбила и разрушила небольшой городок басков Герника — культурный и политический центр жизни этого свободолюбивого народа. За два месяца Пикассо создает свою «Гернику» — громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. В центре композиции, наподобие фриза, в комбинаторике кубистическо-сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за её спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником — символом надежды.
Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и ее кукла», 1938). И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Среди них — Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937). Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью; увенчанные нелепыми шляпами, лица, изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Немецкая оккупация не могла, понятно, испугать Пикассо, который оставался в Париже с 1940 по 1944 год. Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942).
В 1944 году Пикассо становится членом Французской коммунистической партии. Гуманистические воззрения Пикассо проявляются в его работах: в 1950 году он рисует знаменитого «Голубя мира».
Детские годы
Пабло появился на 25 октября 1881 года в Андалузском регионе юга Испании. После появления на свет акушерка решила, что младенец мертв, так как роды были продолжительные и тяжелые. Его дядя, доктор по имени Сальвадор, буквально спас новорожденного, выпустив дым от сигары в сторону малыша, который немедленно отреагировал на запах отчаянным ревом. Полное имя, полученное при крещении, содержит 23 слова. Он был наречен в честь различных святых и родственников.
Его отец Хосе Руис Бласко происходил из древнего, богатого рода северо-запада Испании. Он был художником, преподавал в школе изящных искусств, основанной Академией художеств и расположенной в здании Сан-Тельмо, старом монастыре иезуитов, и служил куратором в муниципальном музее. Школа искусств в Малаге работала с 1851 года. Своей фамилии художник обязан матери Марии Пикассо Лопес. Он активно использовал ее начиная с 1901 года.
Согласно преданию, одним из первых произнесенных слов было «piz», сокращение от «lápiz», что означает «карандаш». Пабло любил рисовать с детства. Отец полностью контролировал художественное образование сына. Он сам давал ему уроки и отправил его в возрасте пяти лет в школу, в которой работал. Будучи сыном академического живописца и воодушевившись его работами, Пабло начал творить с раннего возраста. В детстве его отец часто брал его в бой быков, и одна из его ранних картин содержала сцену корриды.
В 1891 году отец получает преподавательскую должность в институте в Ла-Корунье, а в 1892 году Пабло поступил в это же образовательно заведение в качестве ученика. В течение трех лет он получал классическое художественное образование. Под академическим руководством отца он развивал свой художественный талант с необычайной скоростью.
